La musicalité compte: comment devenir un danseur plus musical

Lorsque Lorena Feijóo est montée sur scène dans In the Night de Jerome Robbins au City Center de New York en octobre dernier, c'était comme si une corde invisible reliait son corps à chaque instrument de l'orchestre. Que ce soit de l'étude du piano en tant que jeune danseuse à Cuba ou de sa capacité intrinsèque à incarner les sons, t

Quand Lorena Feijóo est montée sur scène dans Jerome Robbins ' La nuit au City Center de New York en octobre dernier, c'était comme si une corde invisible reliait son corps à chaque instrument de l'orchestre. Qu'il s'agisse d'étudier le piano en tant que jeune danseuse à Cuba ou de sa capacité intrinsèque à incarner les sons, le principal du Ballet de San Francisco présente cette qualité immatérielle qui fait de la danse un plaisir à regarder: la musicalité.

Alors, qu'est-ce que la musicalité exactement? C'est ainsi qu'un danseur exprime la musique dans son corps. «La musicalité consiste à comprendre la musique à un niveau technique, puis à abandonner toutes ces connaissances pour que vous puissiez vous asseoir profondément dans la musique», déclare le chorégraphe et habitué de «So You Think You Can Dance» Wade Robson. «C'est danser à l'intérieur de la musique, au lieu de flotter dessus.



Un sens de la musicalité bien développé sépare les pros des amateurs. Cela vous rend également agréable à regarder - et c'est une façon plus gratifiante de danser! Voici quelques façons d'aiguiser votre oreille et de faire vos propres choix de musique et de mouvement inspirés.

Maîtriser la musicalité

Mettez côte à côte un danseur musical et un danseur non musical et vous comprendrez pourquoi il est si important d'être en harmonie avec le rythme, la mélodie et l'ambiance d'une chanson. Les danseurs sans lien étroit avec la musique peuvent sembler raides ou déconnectés - souvent, ils sont difficiles à regarder. «Ils sont incapables de transmettre l'émotion que donnent les notes de musique», dit Feijóo. «Un danseur fort mais non musical est comme un tableau sans aucune couleur. Je préfère regarder un danseur musical avec moins d'extension et des pieds pas aussi jolis.

Les danseurs musicaux, d'un autre côté, ne négligent jamais la musique pour s'intégrer dans plus de trucs. «Vous pouvez voir l'effort dans un danseur non musical - ils sont souvent motivés par les pas», explique la professeure de ballet de New York Deborah Wingert. «Les danseurs musicaux ne se tournent pas seulement jusqu'à ce qu'ils s'arrêtent. Ils tournent jusqu'à ce qu'ils doivent passer au point suivant de la musique. Les danseurs musicaux ne sont jamais tellement pris par les étapes qu'ils ignorent la musique.

Il est important de comprendre que la musicalité prend de nombreuses formes et qu'il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon d'interpréter une partition. Certains chorégraphes créent des danses entières avant de choisir la musique, tandis que d'autres peuvent commencer par un morceau de musique avant de créer une seule étape. En tant que danseur, vous devez être prêt pour toute approche qu'ils utilisent.

Par exemple, Wingert se souvient que lorsqu'elle a dansé pour le New York City Ballet, George Balanchine et le chorégraphe résident Jerome Robbins avaient des sensibilités musicales très différentes. «Balanchine voulait que nous soyons au top de la musique. On a anticipé la musique alors quand on était dans les airs, on a touché la hauteur de la note à la hauteur du saut », explique-t-elle. «Jerome Robbins voulait que ses danseurs soient sous la musique, un peu plus pondérés, plutôt que sur le rythme.

comment souhaiter bonne chance à un danseur

Pour commencer à travailler sur votre musicalité, «faites votre travail à la barre d'une manière musicalement précise»,

dit Anne Mueller, directrice de l'Oregon Ballet Theatre. «Cela commence à partir du moment où vous commencez à danser. Ne glissez pas dans la musique dans des combinaisons de tendu, par exemple. S'assurer que vous êtes clair dans votre exécution vous donnera plus d'options car vous pourrez profiter de la musicalité de l'espace immobile peut être autant lorsque vous ne bougez pas que lorsque vous êtes.

Phrasing Philosophies

Si vous avez déjà discuté de musicalité avec un professeur ou d'autres danseurs, vous avez probablement beaucoup entendu parler de «phrasé». Mais savez-vous ce que c'est? Le phrasé musical est la façon dont la musique est organisée dans des mesures. Où sont les syncopes? Les cadences? Les accents? Le phrasé chorégraphique est similaire - c'est la façon dont les étapes sont organisées dans une phrase musicale. Quels pas frappent le rythme et lesquels bougent dans le rythme? Une étape doit-elle être exécutée rapidement pour en allonger une autre?

Parfois, les chorégraphes précisent la façon dont leurs pas doivent être formulés, mais lorsque cela est autorisé, expérimenter le phrasé peut vous donner plusieurs façons de danser une pièce. En fait, mieux vous connaissez une partition ou une chanson, plus vous serez capable de jouer avec la dynamique et le timing des pas - au lieu de toujours danser sur un rythme carré, ce qui peut vous donner un air répétitif et ennuyeux. Peut-être pouvez-vous maintenir un développé pendant un moment supplémentaire ou changer le tempo de votre mouvement pour insérer un autre battu. «Un danseur doit avoir un excellent sens du rythme pour retenir l'attention du public», dit Feijóo. «Sans sortir du rythme, trouvez où vous pouvez équilibrer plus longtemps ou faire un tour de plus. C'est ainsi que vous traduisez l'ambiance que la musique vous donne dans les étapes.

Pour voir comment cela fonctionne, regardez deux ballerines danser le même rôle classique (comme Kitri dans don Quichotte ou Odette / Odile dans Le lac des cygnes ). Même si la chorégraphie et la musique sont identiques, chaque danseuse aura sa propre façon de faire correspondre les deux.

Aiguiser votre oreille

à quoi ressemblent les pieds de ballerines

Les danseurs qui sont formés pour jouer des instruments - comme Robson et Feijóo, qui ont tous deux étudié le piano - ont une longueur d'avance en ce qui concerne le développement de la sensibilité musicale. Mais cela ne signifie pas que vous êtes condamné si vous ne connaissez pas la différence entre une clé de sol et une clé de fa. Le chorégraphe new-yorkais Stephen Petronio, par exemple, ne lit pas la musique et n'a jamais appris à jouer d'un instrument, mais il est connu pour créer un travail intensément musical. Depuis qu'il a commencé à faire de la danse il y a 25 ans, Petronio a chorégraphié pour des compositeurs comme Stravinsky et a collaboré avec des artistes comme Rufus Wainwright, Lou Reed et, plus récemment, Nico Muhly. «Je peux savoir dans les 15 premières secondes suivant l'écoute d'un morceau si je peux y passer», explique Petronio. «Les cheveux se dressent sur mes bras et je dois danser.

Alors, comment a-t-il perfectionné sa musicalité s'il n'avait pas de formation formelle? Avec un peu d'intuition naturelle et beaucoup de pratique. Petronio passe des heures à écouter de nombreux genres de musique. Il choisit même de chorégraphier sur une musique qui le défie. Suivez son exemple et recherchez des partitions complexes - ne vous laissez pas intimider. Une musique épineuse et syncopée vous obligera à écouter plus attentivement, en exerçant le muscle musical de votre cerveau.

Envisagez d'étudier formellement un instrument dont le son vous émeut. Si cela dépasse votre budget, assistez à des concerts. De nombreuses villes proposent des spectacles gratuits dans les parcs publics. Consultez le calendrier des événements de votre ville et accédez à la scène musicale locale. Vous devriez également jeter un œil à vos listes de lecture. Êtes-vous attirés par un genre? Pour élargir vos horizons, essayez d'explorer d'autres types de musique, en particulier le jazz et le classique.

Apprendre à différencier les instruments vous aidera à traduire ce que vous entendez en mouvement, ce qui donnera à votre danse de l'ombre et de la texture. Si vous ne connaissez pas la différence entre une clarinette et un hautbois, commencez par des œuvres musicales comme Sergei Prokofiev Pierre et le loup ou Benjamin Britten Guide du jeune de l'orchestre , tous deux décomposant chaque instrument dans une symphonie afin que vous puissiez apprendre à distinguer les sons. Une autre façon de vous affûter l'oreille est d'écouter des enregistrements de la même partition avec différents chefs d'orchestre et d'identifier les différences entre eux.

Robson ne jure que par cet exercice, qu'il a repris pendant ses années de danse avec Michael Jackson: trouvez une chanson que vous aimez et écoutez-la comme vous le feriez normalement. «Prenez-le simplement», dit Robson. Puis rejouez-le, mais n'écoutez que le tambour. Bloquez tous les autres sons et suivez le tambour tout au long du morceau. Cela change-t-il? Est-ce que ça reste le même? Jouez la chanson une troisième fois, en vous concentrant sur un autre instrument, comme le piano. Répétez cet exercice jusqu'à ce que vous ayez suivi tous les instruments du morceau.

«Vous devrez peut-être écouter 20 fois, selon la complexité de la chanson», dit Robson. «La dernière fois que vous écoutez, reprenez l'intégralité de la chanson. Vous pourrez entendre les deux instruments individuellement et la mélodie dans son ensemble. Et vous pourrez faire du freestyle et danser sur des rythmes que vous n'avez jamais entendus auparavant. Cela changera votre vie de danseur.

Compter sur les comptes

Lorsque vous décomposez un morceau de musique, vous surprenez-vous à le compter ou simplement à écouter le flux général de la chanson? Les danseurs ont souvent des sentiments forts à propos du comptage et ils ne sont pas toujours d'accord. Parfois, le comptage est nécessaire, en particulier dans le travail de corps ou lorsque vous travaillez avec des scores compliqués. Mais se concentrer sur les comptes peut donner l'impression que votre danse est mécanique.

Certains chorégraphes peuvent ne pas compter du tout. Si vous avez du mal à ne pas compter, cherchez d'autres indices musicaux pour vous guider. Par exemple, un virage se termine-t-il à la hauteur d'un crescendo? La chorégraphie suit-elle la ligne de basse au lieu de la mélodie?

Plus vous serez à l'aise avec la musique, plus il vous sera facile de ne pas compter, alors faites-en votre objectif d'apprendre suffisamment bien la musique pour arrêter de compter. «Vous devrez peut-être compter certains ballets au début, mais une fois que vous serez en sécurité, vous n'en aurez plus besoin», dit Feijóo. «Et cela vous donnera la liberté d'interpréter, car vous ne suivez pas seulement le rythme ou la mélodie.

Trop de bonne chose?

S'il est bon d'avoir vos propres idées sur la musique et le mouvement, soyez prêt à mettre votre esthétique de côté. Lors d'une audition ou lors de l'apprentissage d'une nouvelle œuvre, chaque professionnel doit être capable d'entendre et d'interpréter la musique exactement comme le souhaite le chorégraphe.

Imaginez si l'ensemble dans Chicago ont choisi de danser selon leurs convictions personnelles. Que diriez-vous du corps dans Le lac des cygnes ? Il y aurait une anarchie musicale! Même si vous êtes soliste, on peut s'attendre à ce que vous réalisiez la version spécifique de la musicalité d'un chorégraphe. Il faut une oreille aussi sensible pour interpréter la vision d'une autre personne que pour choisir sa propre interprétation de la musique. «Parfois, je reflète exactement le mouvement et la musique, et parfois je les ignore», dit Petronio. «Parfois, je l'utilise comme contrepoint. Votre travail consiste à être prêt à tout.

équipe de danse esprit de l'Amérique

Il est également important de savoir quand et comment votre visage exprime l'émotion dans la musique. Certains chorégraphes voudront que vous utilisiez votre visage, d'autres voudront que vous laissiez votre corps faire toutes les émotions. Wingert se souvient avoir lutté avec cette idée lorsqu'elle dansait chez Balanchine Sérénade avec le New York City Ballet. «C'est une si belle musique que vous voulez en incarner le drame», dit-elle. «Je devais m'efforcer de ne pas trop insister sur le drame sur mon visage et de laisser la danse incarner la musique» - parce que c'est ainsi que Balanchine le voulait.

Alors, comment la musicalité affectera-t-elle finalement votre mouvement? Nuancer. Vous pourrez entendre les subtilités d'une partition et les interpréter avec votre corps, ce qui vous rendra plus intéressant à regarder. C'est aussi plus amusant. Comme le dit Feijóo, «je serais malheureux si je devais danser sans son. Danser, c'est faire de la musique avec votre corps.