Vous devez être réel: danseur professionnel ou étudiant éternel?

Apprenez les règles, comment donner une performance authentique et d'autres conseils de danse du ventre comme le dit Olga 'Shamiram' Kramarova, 10 ans d'expérience en tant que danseuse du ventre professionnelle dans la région de Los Angeles '/

Vous devez être réel: danseur professionnel ou étudiant éternel?Publié par Olga 'Shamiram' Kramarova le 19/06/2020 à Formation des danseurs

Lorsque nous prenons la décision de devenir une danseuse du ventre professionnelle, nous faisons bien plus que porter une robe fantaisie costume et en secouant nos hanches. Nous assumons la responsabilité de représenter une histoire, une culture et un art spécifiques qui méritent d'être représentés avec respect et beauté. Nous prenons la responsabilité de rester authentiques les origines de cette forme d'art intemporelle , d'être d'éternels étudiants et de toujours s'efforcer de diffuser la beauté de cette forme d'art auprès de notre public.


En tant que danseuse professionnelle dans la communauté de Los Angeles depuis plus de 10 ans, j'ai assisté à de nombreuses performances - certaines vraiment charmantes, d'autres non. La différence entre les performances mémorables et les moins impressionnantes n'a pas été attribuée à la technique du ou des danseurs, mais à l'authenticité de leur performance. Pour reprendre les mots de Cheryl Lynn, vous devez être réel! Ainsi, je voudrais partager certaines de mes propres observations et expériences sur ce sujet. Peut-être que mon point de vue peut résonner avec vous ou vous inciter à essayer de nouvelles choses!

Connaissez les règles avant de les enfreindre



Beaucoup d'entre nous se souviennent peut-être des paroles de nos professeurs préférés nous disant de «trouver votre propre style» ou de «personnaliser cette étape». S'il est important pour nous tous d'avoir une qualité ou une signature unique qui encourage les téléspectateurs à se souvenir de nos performances, il est tout aussi important de nous assurer que nous ne faisons pas de choix pour inclure des éléments qui pourraient nuire ou diminuer l'authenticité de notre Danse. Comment gardons-nous nos performances authentiques? Comment savons-nous si nos mouvements sont «acceptables» ou peuvent être offensants? Comment savons-nous ce qui est approprié dans le domaine d'un certain style? À mon avis, la seule façon d'y parvenir est de nous éduquer. L'éducation peut signifier lire des livres , mais cela peut aussi signifier regarder des images historiques de danseurs du passé. L'éducation assiste à des ateliers avec des enseignants authentiques qui sont respectés pour se spécialiser dans un style spécifique. L'éducation comprend la lecture de l'histoire de diverses cultures, pays et événements importants auxquels des groupes de personnes ont été confrontés. Ce dont nous devons toujours nous souvenir, c'est que la danse est une forme de communication. Toutes les formes de danse s'efforcent de délivrer un message, de transmettre une émotion et de provoquer une réaction. Si nous considérons la danse folklorique par exemple, nous devons comprendre qu'elle raconte des histoires sur des expériences vécues par un groupe de personnes. Nous devons comprendre le sens du mouvement. Nous devons comprendre la musique qui accompagne la danse ... vous voyez l'idée. Pour faire court - si nous prévoyons d'utiliser notre talent pour partager la danse avec les autres, nous devons connaître les règles.


Pendant que vous lisez ceci, vous vous demandez peut-être: 'Et si vous créez de nouveaux styles?' ou 'Et si je veux être innovant et essayer quelque chose de nouveau?' Si c'est ce que vous pensiez, alors vous et moi sommes complètement alignés! Je pense que la créativité en danse est une chose merveilleuse! Si nous pensons à tous les styles de fusion possibles qui existent aujourd'hui, nous pouvons voir que certains danseurs sont fatigués ou lassés du style «traditionnel», et ils ont hâte de proposer quelque chose de nouveau et d'être reconnu pour cela. De plus, je dirais même que ces styles de fusion sont encouragés car des catégories existent pour eux dans de nombreuses compétitions de danse. Tout ce que je dis, c’est qu’il est important de bien connaître le style traditionnel avant d’essayer de repousser les limites. Ce qui se traduit généralement par des danseurs qui commencent à repousser les limites (parce qu'ils ignorent tout simplement leur existence) est une mauvaise performance, un public offensé / confus et une mauvaise réputation pour le danseur. La bonne nouvelle est - les ressources sont disponibles et abondantes . La seule chose que nous devons faire de notre part est de vouloir apprendre.



Olga 'Shamiram' Kramarova est une interprète, instructrice et chorégraphe passionnée dont la connaissance de diverses musiques et danses culturelles comprend la danse arabe / du ventre, la danse persane, la danse arménienne, le dabke, la danse indienne, la danse folklorique russe, la samba brésilienne, le flamenco espagnol, la salle de bal et danse latine. Elle est actuellement directrice, soliste et chorégraphe de la Negma International Dance Company et danseuse principale de la Spanish Dance Company de Roberto Amaral. Quand elle ne danse pas, Olga travaille comme professeur de statistiques, de méthodes de recherche et de psychologie cognitive à la California State University, Northridge, ainsi que de chercheuse UX pour YouTube. Elle a joué et continue de se produire dans plusieurs salles locales à travers la Californie, ainsi que dans le monde entier.