Succès de la chorégraphie

La chorégraphe contemporaine Jessica Lang a un flair pour le dramatique. Qu'elle entoure ses danseurs de grands décors réalistes ou les place dans un monde scénique plus abstrait, sa chorégraphie est passionnée et les émotions des interprètes sont presque tangibles. Lang, diplômé de Julliard qui a ...

La chorégraphe contemporaine Jessica Lang a un flair pour le dramatique. Qu'elle entoure ses danseurs de grands décors réalistes ou les place dans un monde scénique plus abstrait, sa chorégraphie est passionnée et les émotions des interprètes sont presque tangibles. Lang, un diplômé de Julliard qui a joué avec la compagnie de Twyla Tharp, explique: «Ce n’est pas que je fais des ballets, mais j’aime me concentrer sur un but et un point.»



Au cours des 10 années qui se sont écoulées depuis que Lang a fait irruption sur la scène chorégraphique, elle a créé des œuvres pour ABT II, ​​Pennsylvania Ballet, Richmond Ballet, Ailey II, The Washington Ballet et bien d'autres. Et elle ne travaille pas seulement avec des professionnels: Lang enseigne la composition et des cours modernes dans les programmes d’été d’ABT, et fait souvent des résidences universitaires.

Mais avant de faire des vagues dans le monde de la danse contemporaine, Lang, originaire du comté de Bucks, en Pennsylvanie, était danseuse de compétition à la Miss Jeanne’s School of Dance Arts et étudiante à la Pennsylvania Academy of Ballet, entre autres écoles. Son chemin a changé à 13 ans, lorsqu'elle a rencontré le professeur de jazz Joe Lanteri lors d'un concours. «Il a dit:« Tu as du talent, viens suivre mon cours »», se souvient-elle. «Ma mère et moi avons fini par conduire à New York tous les après-midi pour que je puisse suivre des cours à Steps on Broadway.» Lanteri a encouragé Lang à postuler auprès de Juilliard. Elle a été acceptée et, là-bas, elle s'est intéressée à la chorégraphie et à la performance. Lisez la suite pour en savoir plus sur ce danseur dynamique.

DS : Pourquoi êtes-vous passé de danseur à chorégraphe?

Jessica Lang: Lors d'une tournée avec Twyla, j'ai réalisé que le processus de création du travail me manquait. J'ai vu une publicité pour le concours de chorégraphie de Hubbard Street 2 et je leur ai envoyé une vidéo d'une pièce que j'avais chorégraphiée en tant qu'étudiant à Juilliard. J'ai été sélectionné comme l'un des deux gagnants - avec Robert Battle! Pendant ce temps, j'avais également commencé à envoyer mes images à des compagnies de ballet, et John Meehan de ABT's Studio Company, maintenant ABT II, ​​m'a commandé juste après avoir remporté le concours Hubbard Street. Ma troisième commande était sur recommandation de John Meehan, de chorégraphier sur Pennsylvania Ballet. Ça a fait boule de neige assez vite - moins d'un an après avoir quitté Twyla, je chorégraphais sur des compagnies professionnelles!

DS: Quelle est votre philosophie chorégraphique?

JL: J'aime ressentir quelque chose quand je regarde la danse. J'aime être emmené dans une sorte de voyage et être attiré non seulement intellectuellement mais aussi émotionnellement. Tout mon travail est généré autour d'un concept, que l'inspiration soit une sculpture, la musique ou une collaboration avec un scénographe. Je veux toujours une ligne directe pour que l'ensemble de la pièce soutienne l'idée globale.

DS : Quel est votre processus lors de la création d'une pièce?

JL: Chaque fois, c'est légèrement différent. Parce que je suis indépendant, beaucoup de choses me sont demandées par les entreprises. Avec une commission, une compagnie peut fixer des limites pour la musique, les danseurs utilisés, le style de mouvement et d'autres variables. En attendant, je rêve et je réfléchis toujours, et quand je reçois une commande, j’essaie de faire fonctionner une de mes idées. Par exemple, en 2001, j'ai rencontré un peintre nommé Will Barnet. Un ami m'a montré ses tableaux - il a cette série intitulée «Les femmes et la mer» - et j'ai été immédiatement inspiré par eux. Mais je n’ai pas créé d’œuvre à partir d’eux avant 2007, une commande pour le Richmond Ballet. Ils m'ont donné une totale liberté et je leur ai dit que je voulais faire un article sur le travail de Will Barnet. De plus, j’avais travaillé avec les designers de l’entreprise et je savais qu’ils seraient méticuleux pour donner vie aux peintures. C'était un bon ajustement.

DS : Quels outils vous ont été les plus précieux en tant que chorégraphe de travail?

JL: Une chose que j'ai apprise en regardant Twyla était la façon dont elle utilisait la bande vidéo. Elle improvisait avec la caméra vidéo en marche, et le lendemain, nous sommes entrés et elle aurait tout assemblé pour faire une phrase. Cette idée m'a vraiment aidé au début, car j'avais souvent trop de matière en tête. Grâce à Twyla, j'ai réalisé que si je mettais en place une caméra vidéo dans le coin et que j'allumais ma musique, je pouvais matérialiser le mouvement qui se passait dans mon esprit. La bande le capturait, je n'avais pas besoin de me souvenir pendant que je créais.

DS : Pouvez-vous parler de votre processus lorsque vous travaillez avec des étudiants?

JL: Au programme Extreme Ballet de Kaatsbaan, j’ai été embauché pour enseigner la composition et l’improvisation et je devais montrer quelque chose pour la performance finale. Après que les étudiants aient travaillé sur leurs études de composition pendant quelques semaines, j'ai choisi quel mouvement entrerait dans la projection finale et organisé qui faisait quoi, où et quand, puis les étudiants se sont enseignés leur mouvement en fonction de ma direction. Dans cette situation, je me considérerais comme un éditeur plutôt que comme un créateur. Lorsque j'ai commencé à enseigner pour les sessions d'été de l'American Ballet Theatre, j'ai été embauché pour enseigner la modernité et chorégraphier une pièce pour le spectacle final. J'aime garder mes propres créations chorégraphiques séparées de ce que je considère comme des emplois d'enseignant, et donc pour ABT j'ai aussi demandé aux étudiants de créer le mouvement. Ensuite, je le modifie ensemble. C’est une expérience d’apprentissage précieuse pour eux, car il est rare qu’une étudiante en ballet entre en contact avec cette responsabilité créative dans sa formation.

DS : Quelle est la différence entre travailler avec des étudiants modernes et des étudiants en ballet?

JL: Les étudiants modernes ont tendance à être plus ouverts à tout essayer, alors que les étudiants en ballet ont tendance à être plus réservés mais raffinés. Être un bon danseur technique ou un danseur qui a une belle facilité physique ne signifie pas que le danseur est un bon déménageur ou un bon artiste. Que les danseurs se concentrent sur la modernité ou le ballet, c’est toujours un plaisir de voir un danseur qui a le vrai talent artistique, la passion de l’exprimer et qui est désireux d’apprendre.

DS : Qu'est-ce que tu aimes encore voir des jeunes danseurs?

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JL: J'aime voir les étudiants grandir après avoir été exposés à quelque chose de nouveau. Que ce soit par le biais d'une chorégraphie, d'un cours ou d'une excursion pour voir un spectacle, le fait d'être exposé à de nombreux éléments différents de l'art et de la danse leur donne la possibilité de commencer à définir qui ils sont en tant que danseurs.

DS: Quels conseils donneriez-vous aux chorégraphes débutants?

JL: Lors des répétitions, concentrez-vous sur la communication claire de vos idées. Rien de plus frustrant que d’avoir un groupe de danseurs qui vous regarde, qui vous attend - ou que vous soyez danseur en train de regarder quelqu'un qui attend que quelque chose se passe. Appréciez l'effort dans la salle et créez une atmosphère où tout le monde travaille vers le même objectif. Être un leader comme celui-là est un talent en soi.

Conseils du métier

Les conseils de Jessica Lang pour les danseurs qui souhaitent chorégraphier

  • Ajoutez des cours créatifs, comme la composition et l'improvisation, à votre programme de formation.
  • Allez voir la danse. Vous pouvez apprendre des maîtres chorégraphes de tous les styles en regardant leur travail sur scène.
  • Faites attention aux processus créatifs des chorégraphes lorsque vous dansez dans leurs pièces. Remarquez ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas et comment ils gèrent les défis qui se présentent. Comment pourriez-vous utiliser certaines de leurs compétences si vous étiez à l'avant de la salle?
  • Plongez-vous dans des choses qui vous inspirent: musées, nature, musique. Remarquez ce qui vous donne envie de bouger et laissez votre imagination s'égarer.
  • Mon professeur de composition à Juilliard, Bessie Schoenberg, nous a dit que nous devons «faire». Jouez avec le mouvement aussi souvent que possible. C’est la seule façon de s’entraîner.

Kathryn Holmes est écrivain et danseuse à New York.